Dans le cadre de l’Année mondiale de l’astronomie, l’Euro Space Center prépare une expo sur la série «Le complexe du chimpanzé». Interview de leurs auteurs, Richard Marazano et Jean-Michel Ponzio.
- Le Complexe du Chimpanzé a reçu le Prix du meilleur album à Lyon en 2007, j’imagine que vous êtes satisfaits?

- Richard Marazano. Oui ça fait toujours plaisir et c’est toujours gratifiant. On sent un engouement du public, les gens sont touchés par les personnages et sont vraiment intrigués par le déroulement de l’histoire. Les prix c’est bien, mais c’est bien aussi lorsqu’il y a un véritable engouement du public

- Donc malgré le fait que la BD soit quand même relativement technique, on nous parle d’espace, de navette spatiale, le public a bien suivi?

- RM. Je vais peut-être laisser Jean-Michel répondre (ndlr: le dessinateur) car il a la nécessité de rendre la chose très réaliste mais en même temps on n’est pas en train de raconter les aventures de la navette spatiale.

- Jean-Michel Ponzio. C’est ce que je dis souvent, étant donné que je pars sur des personnages qui sont hyper réaliste, tout doit suivre en fait. Effectivement il y a un travail de recherche relativement important, les intérieurs de navette sont très poussés. Il y a pas mal de documentation derrière mais bien que ce soit réaliste il y a beaucoup de choses que j’invente aussi.

- RM. En plus Jean-Michel vient du cinéma…

- JMP. Je viens plus particulièrement du décor, donc j’adore faire ça, mais ce qui m’intéresse vraiment aujourd’hui, c’est de travailler mes personnages, car je suis un peu plus faible de ce côté-là.

- Je ne suis pas tout à fait d’accord, une des forces des deux albums sortis réside justement dans les émotions incroyables que vous parvenez à donner aux personnages.

- JMP. Bon je pense que je suis quelqu’un qui ne sait pas trop mal encrer, malgré le fait que j’ai encore plein de choses à apprendre. C’est vrai que lorsque l’on voit le résultat, on dit «Whaou les expressions!», mais ce qu’il faut voir et ce qu’on oublie un peu, c’est qu’il y a un vrai travail de mise en scène en amont. J’ai un vrai souci là-dessus et cela va renforcer les émotions qui vont paraître naturelles et réelles.

- Comment se passe votre collaboration?

- JMP. Il y a une espèce d’osmose entre le scénariste et le dessinateur.
Le scénariste va lui donner son scénario, le dessinateur va lui faire quelques petites suggestions et on en discute. Mais ce qui est bien, c’est que Richard dessine aussi, donc ça facilite beaucoup la collaboration. Et je dois dire que si Le complexe du chimpanzé a cette allure, c’est en grande partie grâce au travail de relecture sur mon travail de Richard.

- RM. Là où il est sidérant, c’est quand il me balance ses pages et je lui dis «là il y a des trucs qui ne vont pas» et le coup d’après la page revient et j’ai plus rien à dire.

- Ce qui veut dire que la remarque était tout à fait pertinente?

- JMP. Oui complètement, mais je dirais, c’est quand même assez rare. Sur un album où il y a en moyenne 10 cases par page, si je change 3 cases sur 500 qui sont dessinées, c’est un maximum. On a oublié de préciser que c’est Richard qui fait aussi le découpage, c’est lui qui fait le story-board. C’est une bonne chose car moi, ça me permet de gagner du temps et d’être fidèle à ce que lui a imaginé.

- Le fait que le scénariste sache également dessiner facilite-t-il le travail?

- RM. Il faut voir que lorsqu’on écrit, il y a ce que l’on veut passer en termes de sens et ce que l’on veut passer en termes d’émotion. Et il y a un moment, c’est ce qui va passer en dessin, les mouvements des personnages, le choix des cadrages, des lumières, etc. Donc pour transmettre une émotion, il faudrait faire une description de deux pages, mais si je lui fais un petit dessin rapide, il va ressentir l’émotion qu’il y a à travers le dessin et qui va être complémentaire de l’émotion que j’aurai mise dans le texte.

- Donc c’est comme ça que vous travaillez en général?

- RM. Avec Jean-Michel oui. Mais il y a certain dessinateur qui ne supporte pas ça.

- JMP. Par exemple, si Richard à l’idée de mettre une caméra d’une certaine manière, c’est qu’il a une idée dont la scène doit être magnifiée. La position d’une caméra peut vraiment changer le regard qu’on a sur le jeu d’un acteur. Donc ça nous fait gagner du temps et moi j’essaie également de mon côté de ramener encore des choses auxquelles ils n’auraient pas pensé.

- Un élément impressionnant de la série réside dans les ombres et lumières, très marquées.

- JMP. Ca. c’est une influence américaine en fait. Les américains ont un encrage que j’aime beaucoup et en France on voit un peu moins ça.

- RM. Ca a aussi une nécessité narrative. On raconte par la lumière, c’est extrêmement important: les plans, les absences, les creux, etc. La narration par la lumière, c’est ce qu’oublient beaucoup d’auteurs européens. On a tendance à mettre beaucoup en avant la lisibilité mais en même temps, si c’est pour tout aseptiser, c’est pas intéressant. On arrive à un produit standardisé qui perd de son âme.

- JMP. Mais la couleur a un grand rôle aussi, on l’oublie souvent un petit peu. Par exemple, les deux premiers tomes, si on retirait la couleur, il y aurait beaucoup de choses qui seraient bancales. La couleur raconte énormément, des climats, des atmosphères.

- Comment a débuté le projet?

- RM. Ca a débuté sur une envie de travailler ensemble mais on savait pas trop sur quoi on allait bosser. J’ai sortis deux projets.

- JMP. En fait trois projets dont deux ont été retenus ce qui fait qu’on est partis sur les deux en même temps [ndlr : Le Complexe du chimpanzé chez Dargaud et Genetiks chez Futuropolis].

- RM. On a choisi de faire les deux pour se donner deux chances éditoriales au lieu d’une et deux éditeurs se sont engagés sur chacune des séries finalement donc on s’est retrouvé à devoir faire les deux. Jean-Michel et moi, nous nous retrouvons à faire l’équivalent de trois albums par année, environ 160 pages.

- Ce qui fait beaucoup quand même?

- JMP. Moi, j’ai toujours aimé le côté un peu speed, le bon stress pour avancer. J’aime bien ce challenge là, voir si je suis capable de tomber une page en si peu de temps. Et en plus d’intérêt de tout ça c’est qu’une fois qu’on a tracé les lignes directrices, ça nous évite de changer d’avis en cours de route, parce que, si vous faites un album en un an, un an et demi, quand vous arrivez à la dernière page, il y a forcément une évolution et on peut avoir tendance à modifier quelque chose qu’on aurait fait au début.

- RM. Cette approche nous oblige à faire des choix rapidement et nous permet d’aller très rapidement à l’essentiel. Mais ce que je trouve hallucinant chez Jean-Michel, c’est que ça n’a pas d’impact sur la qualité du dessin. Jean-Michel fait à peu près une page par jour…

- Ce qui est pas mal…

- JMP. Oui, mais pour Genetiks j’en étais à deux par jour pendant deux semaines.

- RM. Ce ne sont que les grands auteurs des années 70 qui étaient capable de faire ça, aujourd’hui un auteur met une semaine pour faire une page.

- JMP. Mais comme je le dis souvent je ne suis pas un exemple. J’ai une technique de travail qui me permet d’aller très vite. Si je travaillais de manière traditionnelle, je serais peut-être un peu plus rapide que la moyenne mais pas beaucoup plus.

- Le rendu final ressemble un peu au film Scanner Darkly. Les personnages semblent filmés et retravaillés par-dessus pour en faire une bande dessinée.

- JMP. Oui, c’est vrai, mais la prouesse de Scanner Darkly, c’est l’encrage je dirai. On voit qu’il y a un vrai travail, un choix sur les lignes. Même si le logiciel les a interprétées par la suite, à un moment donné, il a bien fallu les dessiner ces lignes. Dans mon cas, il y a beaucoup de travail sur le background moins sur les visages.

- Et pourtant, il y a énormément d’émotion sur les visages des personnages.

- RM. Oui, c’est juste, mais si la technique empêche l’émotion, il faut l’abandonner. La technique est au service de l’émotion.

- JMP. En fait, j’oscille entre une réalité et des codes qui me permettent de faire passer une émotion. Tous les personnages de la bande dessinée existe, j’ai des modèles réels qui vont me donner leur idée des personnages et vont m’aider à les représenter. Mais c’est un vrai mix en fait; il y a trois éléments essentiels; il y a le personnage dans la réalité, il y a moi et il y a l’outil que j’utilise, donc en l’occurrence l’ordinateur. Et c’est l’amalgame des trois qui fait q’on a au final un personnage qui a cette allure là.

- RM. On travaille en fait comme dans un film mais avec une équipe réduite de deux personnes qui font le boulot de 50.

- JMP. Bon, ça c’est pas uniquement pour moi, tous les dessinateurs sont à la fois éclairagistes, costumiers, comédiens, parce qu’ils doivent mettre leur personnage en situation. Comme disait Jean Giraud: «On est un peu Dieu le père quand on est dessinateur» car on crée tout un univers.

- Si on revient au scénario, le fait d’avoir fait des études techniques dans votre jeunesse vous a-t-il influencé?

- RM. Je dirai que c’est plutôt un symptôme qui vient de l’enfance; on était gamin dans les années 70 à une époque où tous les gamins voulaient être cosmonaute et leurs rêves étaient vraiment des rêves et pas quelque chose de commercial ou des rêves de paraître comme footballeur ou esthéticienne. Avec notre série, on voulait vraiment raconter une histoire pour le grand public où un personnage était prêt à tout abandonner pour ses rêves. On voulait remettre le coeur et l’émotion au coeur du récit. On a en l’occurrence un public féminin qui normalement ne se tourne pas vers la science-fiction mais qui là est touché par cette aventure.

- Le troisième et dernier album est sorti en novembre mais il ne répond pas à toutes les questions…

- JMP. Ce que je dis souvent c’est que, dans cet album là, les réponses ne sont pas données directement.

- RM. Elles sont ressenties.

- JMP. En fait, on peut imaginer la suite de l’histoire sans qu’on ait besoin de l’écrire. C’est ce qui fait la force de cette série. Donc on ne va jamais continuer cette série. Le sentiment que vous allez ressentir en lisant les trois albums pourrait être détruit si vous lisez une suite qui ne correspond pas à ce que vous aviez imaginé. Si vous continuez, ça détruit tout.

- RM. Si vous lisez le Complexe dans dix ans, vous devriez ressentir la même émotion que la première fois. Les émotions ça vieillit pas, par contre le discours technique vieillit.

- Donc vous avez créé une BD intemporelle…

- RM. On espère, c’est le temps qui le dira.

- Dans le premier album vous avez inséré une citation de Baudelaire: «Partout l’Homme subit la terreur du mystère et ne regarde en haut qu’avec un oeil tremblant.»

- RM. C’est un regard d’espoir.

- Parce que les gens ne vivent plus leurs rêves?

- RM. Ne vivent plus, ne rêvent plus, deviennent pragmatiques, parce qu’ils ont peur, parce qu’ils sont formatés. Dans notre société, même le rêve doit rapporter; on voulait que le rêve soit quelque chose de complètement anti-économique. Si on peut toucher des gens et qu’ils mettent des sentiments au coeur de leur relation avec toute chose, ce sera un gain pour nous tous.

«Le complexe du Chimpanzé»

Richard Marazano
Jean-Michel Ponzio

Dargaud

Cette histoire tragique n’en est qu’une parmi la quinzaine toutes aussi tragiques qu’Yvan Brun relate dans son ouvrage. Récits très sombres où tous les travers de la société sont passés en revue sans ménagement. La violence physique, la pauvreté, le viol, le mobbying mais aussi la culture télévisuelle aliénante, la déforestation, ou encore le trafic de drogue. Un inventaire à la Prévert fait de maux qui sont autant de tableaux dépeignant une société égoïste et hypocrite qui part à la dérive.

C’est particulièrement le cas de «Wasteland», un parcours personnel et tragique parmi 15 autres. Suite à la découverte de Maria, débute alors la reconstitution par un jeune policier qui rêve encore de justice la nuit et dont la corruption n’a pas encore gangréné l’âme, de son parcours en enfer. Il découvre alors que loin d’être la trainée pour laquelle on veut la faire passer, elle était au contraire une employée modèle qui travaillait dur à l’usine pour nourrir toute sa famille. En voulant améliorer les conditions salariales de ses collègues, elle s’est faite renvoyer et a dû trouver un moyen alternatif de subsistance.

Comme une bonne partie de ses compatriotes qui se retrouve au chômage, Maria s’est retrouvée face à un dilemme : soit être embrigadée dans des affaires pas très nettes liées à la prostitution ou à la drogue, soit fuir le pays vers cet eldorado occidental idéalisé à travers la télévision. Mais c’est là un chemin qui peut mener droit en enfer et que Maria a payé de sa personne.

Le récit de Maria se termine par 2 planches d’une page entière chacune. L’une d’elle montre deux candidats à l’exil qui ont finalement échoué sur les plages d’un riche pays du nord. Malheureusement s’ils ont réussi à gagner les rivages d’une plage cossue occidentale, ils y ont perdu leur vie et c’est dans l’indifférence générale que leur corps est balloté par les vagues.

La deuxième planche est une reproduction du «Radeau de la Méduse», peinture de Théodore Géricault exposée au Musée du Louvre. Basé sur un fait divers tragique, l’œuvre originale était en fait au cœur de tensions sociales et politiques de l’époque. Elle y montre la vie, la mort, l’espoir et le désespoir tout en y dénonçant également la dérive politique de la société de l’époque. Quelques 180 ans plus tard, rien n’a vraiment changé et la reproduction d’Yvan Brun ne fait rien d’autre qu’exprimer les mêmes sentiments avec d’autant plus de force que la quotidienneté avec laquelle ils se déroulent.

A noter encore que pas une seule parole n’est échangée tout au long de l’ouvrage.
La misère n’en a pas besoin pour s’exprimer.

«No Comment»
Yvan Brun
Drugstore

Les attentats du 11 Septembre ont généré une littérature abondante mais force est de constater que cette dernière est principalement restée cantonnée sur les rayonnages de géopolitique ou des romans. Elle n’a que peu touché ou de manière indirecte la Bande dessinée. “Ghost Money, la femme de Dubaï” tente d’y remédier et ceci avec un brio certain.

Le scénario de Smolderen est aussi bien ficelé qu’un combattant ennemi en train de perdre ses plus belles années dans les geôles de Guantanamo. A chaque page, on sent le soin apporté au détail et les recherches monstrueuses que cela a dû demander. Le tout est superbement mis en images par Bertail dont le trait crédible sied à merveille à toutes les innovations techniques de ce récit d’anticipation (Nous sommes en 2020).

L’idée de départ qui a titillé le scénariste réside dans les étranges mouvements boursiers constatés la vieille de s attentats à New-York. Qui savait que la chute des tours allait faire chuter dans un même élan de peurs irrationnelles les bourses du monde entier? Et qui a donc bien pu spéculer à la baisse de manière prémonitoire et ainsi engranger des milliards de dollars aussi facilement qu’un paysan afghan recueillerait les bénéfices de sa récolte de pavot.

De ce point de départ, la construction du récit s’étoffe ensuite grâce à l’imagination féconde de Smolderen. Un peu à la manière d’un Dan Brown et son Da Vinci Code qui construit un roman suintant la vérité à travers tous les détails véridiques qu’il contient, Smolderen procède de même et le résultat n’en est que plus excitant.

Les flash-backs sont executés de main de maître. Ainsi le récit débute à Fallujah en pleine guerre d’Irak où les soldats zélés de Bush s’évertuent à extorquer à des troufions les secrets financiers de la mouvante islamique. Sans grand succès, et ce qu’il convient d’appeler “Le trésor d’Al-Qaida” dormira encore tranquille jusqu’en 2020 où l’on est propulsé quelques pages plus loin. On fait alors la  connaissance de Chamza une jeune étudiante de Dubaï à la LSE (London School of Economics) qui attirera l’attention des services secrets américains. Sa grande beauté n’a d’égal que l’altitude stratosphérique où vol son compte en banque mais c’est surtout la source douteuse de celui-ci ainsi que les fréquentations louches qu’elle entretient avec le haut dignitaire d’un mouvement spirituel baptisé l’Emirat des Lumières qui vont lui attirer l’intérêt des chasseurs de trésor yankee.

Dans cette déferlante de finance, de géopolitique et de militaire, la corde sensible n’est pourtant pas oubliée. Au contraire même puisqu’on découvre l’histoire à travers les yeux de Lindsay, jeune étudiante londonienne qui rencontre Chamza à l’occasion d’une manifestation anti-néoconservateurs et tombe amoureuse de cette dernière comme un jeune étourneau s’amouracherait de sa mère au sortir de l’oeuf.  Sa présence est admirablement distillée le long du récit à travers une voix-off qui apporte cette dimension émotionnelle qui aurait sinon fait défaut.

Bref, du grand art que ce premier opus de “Ghost Money” et qui risque fort de faire beaucoup de bruit. Que l’attente va être longue jusqu’au prochain album…

“Ghost Money, la dame de Dubaï“
Smolderen, Bertail
Dargaud

Surprenant, violent, épatant. Tels sont les qualificatifs de ce « King David ». L’entrée en matière au niveau graphique est quelque peu ardue pour les habitués du trait net et précis. Point de dessin léché au contour rigoureux mais des planches peintes à grands coups de pinceaux et aux tons uniformes. Les personnages oscillent entre le blanc cadavérique et le vert macchabée. L’effet n’en est que plus impressionnant pour l’hémoglobine d’un rouge profond qui jaillit à travers les pages. Au fil des pages, le surprenant devient naturel et c’est plutôt certains noms, David, Saül, Goliath ou les Philistins qui nous déconcertent quelque peu en évoquant de lointains souvenirs d’histoire biblique. Lors de l’affrontement entre David et Goliath dans la vallée d’Ellah, le doute n’est plus permis, il s’agit bien d’un épisode de la Bible revisité façon mafia new-yorkaise des années 70. L’histoire est narrée du point de vue du fils de David qui au départ n’était pas encore né (« Moi à l’époque, je n’étais même pas une étincelle de désir dans l’œil de mon père »).
Comme dans la bible, David est un jeune berger qui fait paître ses brebis, à la différence que ces dernières ne broutent pas les mottes des collines de Bethléem mais se font plutôt brouter la motte par la racaille qui arpente les trottoirs malfamés de la Grande Pomme.
Cette transposition anachronique ressemble furieusement par la conservation des textes originaux dans une mise en scène contemporaine au « Roméo et Juliette » du réalisateur Baz Luhrmann qui en 1996 s’était ingénié à catapulter le Vérone du XVIème siècle dans un quartier chaud des États-Unis. Saupoudrez le tout d’une pincée du « Parrain » de Coppola et vous obtenez ce remarquable « King David ». Au final, simplement surprenant, violent, épatant.

“King David”
Ozanam, Singelin
Casterman, collection KSTR

“L’élu, le fabuleux bilan des années Bush”
Lenoir, Chabert
Echo des Savanes

Ceci dit Brahim, les scénaristes des “Desperate Houswives” et autres productions hollywoodiennes qui font régulièrement exploser le box-office américain et par la même occasion européen quand ils ne font pas grêve, au grand désespoir d’ailleurs des défenseurs du cinéma soporifique du vieux continent incapables de se remettre en cause et de rivaliser avec une machine de guerre bien huilée, n’ont rien à envier à l’illustre inconnus qui a pondu cette peinture moyenne-ageuse (Et oui, pas encore d’appareil photo à l’époque). Car si tu me suis toujours fidèle lecteur dans la tourmente de mes déblatérations verbales, tout y est! Ce poème épique destiné à être récité à la cours des rois par les troubadours et autres Brad Pitt de l’époque contient de l’amour, de l’adultère, du suspense, de l’action, du sexe, des gentils, des méchants, et tous les ingrédients qu’il faut pour être totalement absorbé par les aventures totalement folles de dame Iseult aux mains blanches et du valeureux Tristan qui combattis le retors Morholt. Au point même que si l’envie te prends de descendre l’ouvrage dans le train, tu maudiras d’être arrivé si vite à destination et de ne pas savoir si le roi Marc que la jalousie aveugle brûlera Dame Iseult sur le bucher.

Bref, c’est du bon, c’est du lourd et à l’époque ca a certainement dû déchainer les foules à défaut de faire exploser l’audimat.

Donc si tu hésites, n’hésites plus, ca se lit très vite, tellement vite que ton pouce pourrait en attraper une tendinite à force de faire des allers-retour incessants avec les pages.

Le livre vaut largement les 2,29 euros payés à l’époque un samedi après-midi de cohue à la Fnac en train de pester à la caisse dans une queue qui n’avance pas et à deux doigts d’abandonner tous mes articles dans un bac de stabilos en promotion (4 pour le prix de 3…). Finalement je ne regrette pas mon achat même s’il a squatté ma bibliothèque pendant presque 4 ans sans que ne s’ouvre une seule page. Oui, j’ai honte, que le spectre de Guillaume d’Orange me maudisse sur 17 générations.

Ci bon, ci pas cher, achèt! achèt!